Guida alla scelta di
Master Regia Cinematografica

L’area introduce i fondamenti del linguaggio audiovisivo e della regia come scrittura in immagini e suoni. Si affrontano principi di drammaturgia per registi, struttura in tre atti e modelli alternativi, arco del personaggio e gestione dei sottotesti. Il corso guida alla traduzione del copione in immagini: analisi delle scene, definizione della point of view strategy, uso di spazio e tempo, blocking e coreografia degli attori, costruzione del ritmo attraverso la messa in quadro. Vengono studiati decoupage, continuità e discontinuità, raccordi, gestione delle ellissi e del fuori campo. Particolare attenzione è dedicata alla relazione tra scenografia, costumi e luce come elementi narrativi, all’uso del colore e alla simbologia visiva. Gli studenti realizzano shot list, storyboard e moodboard, imparando a costruire un concept visivo coerente e comunicabile ai reparti.

Questa area sviluppa le competenze relazionali e metodologiche per dirigere l’interpretazione. Si esplorano metodologie di recitazione (Stanislavskij, Meisner, Strasberg, Practical Aesthetics) con approcci pratici alla prova sul set. Si lavora su backstory, obiettivi, ostacoli e azioni, subtesto e tono, modulando intensità e dinamiche tra personaggi. Il modulo di casting affronta breakdown dei ruoli, call sheet per provini, self-tape direction e callback, con esercitazioni di conduzione del provino e valutazione dell’alchimia tra i performer. Si studiano script analysis per attori e tecniche di comunicazione non direttiva, costruzione della fiducia e gestione dell’ansia sul set. Vengono simulate sessioni di prova, table read e blocking, inclusa la collaborazione con il coach acting e l’intimacy coordinator quando necessario. Etica, inclusione e benessere degli interpreti sono parte integrante del percorso.

L’area copre gli aspetti tecnici essenziali che il regista deve governare. Con il reparto fotografia si studiano scelte di ottiche, formati, sensori, filtrature, gestione dell’esposizione e relazione tra key, fill e backlight. Si apprendono le implicazioni narrative di macchina a mano, dolly, steadicam, gimbal e droni, nonché composizione, profondità di campo e continuità visiva. Sul fronte del suono, si affrontano presa diretta, microfonazione, sound design e strategia di pre-mix in funzione della regia. Il modulo di montaggio verte su teoria delle transizioni, montaggio di continuità e delle attrazioni, gestione del ritmo, uso di J/L cuts e temp music per guidare la performance. Si introduce la supervisione VFX: previs (previsualization), plate shooting, data wrangling, color pipeline, LUT creative, integrazione con la post e conform in timeline. Workflow digitale, DIT, backup set-safe e gestione dei dailies completano il quadro.

Questa area rende lo studente autonomo nel dialogo con produzione e reparti. Si studiano breakdown di sceneggiatura, piani di lavorazione, scheduling con stripboard e call sheet, location scouting e permessi, rapporti con i sindacati e normative di sicurezza sul set. Il modulo di budgeting introduce voci di costo, preventivi, cash-flow e strategie di ottimizzazione a parità di valore creativo. Si affrontano risk assessment, assicurazioni, gestione emergenze e protocolli per la sicurezza fisica e digitale. Sul piano della leadership, si lavora su comunicazione assertiva, gestione del tempo, negoziazione e problem solving in condizioni di stress. Infine, si esplora l’ecosistema del mercato: posizionamento del progetto, dossier di regia, teaser e EPK, strategie di pitching a produttori e broadcaster, percorsi di co-produzione, tax credit, bandi e percorso festivaliero con piani di distribuzione e audience design.