TROVATI 2 MASTER [in 2 Sedi / Edizioni]
Esplorare il campo della produzione artistica, considerando il rapporto dell’arte con i fenomeni contemporanei, l’estetica, la scienza e la tecnologia, le dinamiche sociali e ambientali, preparandosi ad essere protagonisti del sistema artistico internazionale.
Sedi del master
Università degli Studi di Torino | Dipartimento Studi Storici
Questo corso è un'opportunità per esplorare in profondità la storia dell'arte, con un curriculum che offre conoscenze teoriche e pratiche nel campo, con essenziali requisiti di accesso e un'ampia offerta di insegnamenti.
Sedi del master
LUMSA Master School
Il Master si propone di diffondere la conoscenza del neurosviluppo fisiologico, analizzando lo sviluppo e la maturazione del sistema nervoso centrale dalla fase prenatale a quella postnatale
Master Pittura E Disegno
Competenze avanzate di pittura e disegno: tecnica, progetto e linguaggi contemporanei
Il Master in Pittura e Disegno offre un percorso intensivo che unisce rigore accademico e ricerca contemporanea, accompagnando lo studente dalla padronanza delle basi tecniche alla definizione di una voce autoriale solida. Il programma affronta in modo sistematico il disegno come fondamento dell’osservazione e della composizione, sviluppando poi le principali tecniche pittoriche tradizionali e sperimentali con un’attenzione specifica a materiali, supporti, processi e sicurezza in studio. La didattica integra storia e teoria dell’arte, cromatologia, metodi di progettazione e pratiche curatoriali, così da connettere la produzione di immagini a un contesto culturale e professionale attuale. Attraverso laboratori, revisioni critiche, masterclass e un project work finale, i partecipanti costruiscono un portfolio coerente, imparano a presentare e argomentare il proprio lavoro e acquisiscono le competenze per operare in studi, gallerie, residenze e contesti cross-disciplinari.
L’area sviluppa il disegno come strumento analitico e progettuale: linee di costruzione, proporzioni, composizione, ritmo e sintesi dello sguardo. Si studiano prospettiva centrale e accidentale, assonometrie, chiaroscuro e modellato per definire volumi credibili su superficie bidimensionale. Un modulo specifico è dedicato all’anatomia artistica, con scheletro, inserzioni muscolari, dinamica del movimento e gesture drawing dal vero, per comprendere equilibrio, peso e contrapposto. Si pratica il disegno con grafite, carboncino, sanguigna, inchiostro e tecniche miste su carte diverse, imparando a controllare pressione, impasto e impaginazione. Le esercitazioni includono studi dal vero, copie d’autore e taccuino di ricerca, favorendo l’osservazione lenta e la rapidità segnica.
La seconda area affronta le tecniche pittoriche in profondità, con focus su preparazione dei supporti, scelta dei leganti e gestione dei tempi di asciugatura. In pittura a olio si studiano imprimiture, velature, impasti, grasso su magro, medium tradizionali e sintetici, oltre alla manutenzione degli strumenti. Per l’acrilico si analizzano tempi rapidi, glazing, texture e additivi per estendere la gamma espressiva. L’acquerello introduce lavature, bagnato su bagnato e riserve, con controllo della capillarità della carta. I moduli di sperimentazione includono tempera all’uovo, encausto, gouache, collage, monotipo e tecniche miste che intrecciano pittura, disegno e stampa d’arte. Particolare attenzione è data alla relazione tra gesto, superficie e composizione cromatica, alla costruzione di serie coerenti e alla traduzione di reference fotografiche in immagini pittoriche autonome.
Questa area indaga teoria e pratica del colore: modelli percettivi, armonie, contrasti simultanei, temperatura e valore tonale, con esercizi mirati per controllare saturazione e relazioni spaziali. Si studiano pigmenti, cariche, leganti, vernici e loro stabilità, compatibilità e comportamento nel tempo, con attenzione alla sicurezza, alla ventilazione dello studio e alla gestione dei solventi. Vengono comparati supporti come tela, tavola, carta e materiali sintetici, preparazioni con gesso acrilico o colla-pittura e criteri di tensionamento e telatura. Si affrontano conservazione preventiva, incorniciatura, verniciatura finale e protocolli di archiviazione, includendo la documentazione tecnica dell’opera. Il modulo include anche un’introduzione alla sostenibilità dei materiali e a pratiche a basso impatto, così da conciliare qualità espressiva, durabilità e responsabilità ambientale.
L’ultima area connette competenza tecnica e pensiero progettuale. Si lavora su ideazione, concept, ricerca iconografica e metodologie di sviluppo del progetto, dall’ipotesi iniziale alla serie compiuta. Si studiano dispositivi espositivi, statement, titolazione e gestione del formato per comunicare con coerenza. Un focus è dedicato ai linguaggi contemporanei: pittura espansa, installazione pittorica, ibridi con disegno, fotografia e nuovi media, con casi studio su pratiche curatoriali e mercato dell’arte. Gli studenti apprendono come costruire un portfolio editoriale e digitale, organizzare un artist talk, redigere bio e sinossi, e presentare la propria ricerca a gallerie, bandi e residenze. Il percorso culmina in una mostra collettiva con produzione di un corpo di lavori coerente e documentato, accompagnato da revisione critica e pianificazione dei passi professionali successivi.
La didattica combina pratica intensiva in laboratorio, confronto critico strutturato e momenti di ricerca, favorendo autonomia tecnica e consapevolezza autoriale.
"Il disegno è l’arte di condurre una linea a fare una passeggiata: un esercizio di libertà che nasce da regole apprese e interiorizzate."
— Paul Klee
Dalla pratica artistica alla filiera dell’arte: ruoli, RAL, settori e percorsi di crescita per chi conclude un Master in Pittura e Disegno
Il Master in Pittura e Disegno prepara figure in grado di coniugare ricerca artistica, competenze tecniche avanzate e consapevolezza del mercato. Oltre alla pratica di studio, i diplomati acquisiscono strumenti per operare in contesti professionali complessi: gallerie, case editrici, studi di produzione audiovisiva, laboratori di restauro, scuole e accademie. Le competenze sviluppate includono padronanza dei materiali e dei linguaggi pittorici e grafici, progettazione di portfolio e dossier, gestione del workflow creativo, conoscenza dei diritti d’autore, budgeting di progetto, relazione con curatori, clienti e committenza. La carriera può evolvere su due direttrici: l’attività autoriale (con mostre, commissioni e vendite) e l’inserimento in ruoli tecnico-creativi o formativi. La spendibilità è favorita da esperienze espositive, collaborazioni con spazi culturali e capacità di posizionamento professionale online e offline.
Figura autoriale che sviluppa una ricerca pittorica personale, cura portfolio e dossier, partecipa a call, residenze, mostre collettive e personali. Lavora con gallerie, curatori e collezionisti, gestendo produzione, pricing, edizioni e certificazioni d’opera. Integra spesso progetti su commissione, bandi e consulenze, con reddito variabile e ciclico.
Professionista specializzato in illustrazione editoriale, pubblicitaria e visiva, capace di tradurre brief in tavole, copertine e materiali promozionali. Collabora con case editrici, agenzie e studi di produzione, sviluppando moodboard, bozzetti, layout e tavole definitive. Si interfaccia con editor e art director, gestendo tempi, revisioni e diritti di utilizzo.
Tecnico-specialista che assiste nelle operazioni di conservazione e restauro di dipinti su tela, tavola e supporti misti. Esegue test, documentazione fotografica, puliture controllate, stuccature e reintegrazioni, nel rispetto dei protocolli e della reversibilità. Opera presso laboratori, cantieri museali o su commessa, affiancando restauratori senior e curatori.
Professionista che realizza fondali, texture pittoriche e superfici materiche per teatro, cinema, TV, eventi e vetrine. Traduce concept visivi in soluzioni sceniche, selezionando materiali e tecniche resistenti e fotogeniche. Collabora con scenografi, direttori della fotografia e reparto costumi, rispettando norme di sicurezza, tempi di costruzione e budget.
Figura didattica che progetta e conduce corsi di pittura e disegno in accademie private, scuole, associazioni e spazi culturali. Pianifica programmi, moduli tecnici, esercitazioni e valutazioni; cura open day e mostre didattiche. Spesso integra la docenza con attività artistica, workshop intensivi e percorsi personalizzati per adulti e aziende.
La progressione professionale dipende da portfolio, continuità di progetto e rete di relazioni. Con 3-5 anni di attività si consolida il posizionamento; oltre i 5-8 anni si accede a ruoli di responsabilità, direzione creativa o rappresentanza stabile con gallerie e istituzioni, con maggiore stabilità contrattuale e redditività.
